Ortega Muñoz.

Si buscáramos uno de los posibles puntos de partida de la pintura de Ortega Muñoz posiblemente lo encontraríamos en las proximidades del descubrimiento que del paisaje español realizó la generación literaria del 98. Hay un trasfondo veraz, ascético y entrañablemente sentido en estas tierras de surcos paralelos, curvos caminos y cercas de piedra que nos recuerdan la forma de ver los campos, con pasión apoyada en la bella y dura realidad, que tuvieron Unamuno o Azorín.

Pero esa concepción del paisaje se encuentra en la pintura de Ortega Moños alejada, superada en el tiempo, trascendida hacia un destino poético e imaginativo, que, sin embargo, no arranca de la tierra su raíz honda y desnuda. Por eso nadie puede dudar del realismo fundamental de los lienzos ahora exhibidos por este artista en la Sala de la Dirección General de Bellas Artes. Y por eso se encuentra en ellos una faz nueva, una expresión peculiar de esto campos de Extremadura, de Castilla o de La Rioja que va más lejos en la adivinación que en la seca evidencia. En los cuadros exhibidos, que insisten en las franjas, rayadas como pieles extendidas o punteadas por el quietismo múltiple, monótono y espaciado de las gavillas, las piedras y los troncos, se aprecia cierta salida más allá de sus extremeñas cercas de piedra que le han hecho famoso. Era natural que Ortega Muñoz, sin abandonar lo esencial de su concepto pictórico, lo que constituye los estratos firmes de su personalidad, echara a andar ampliando el horizonte circundante, aventurando el color y la característica disposición de sus líneas de contraste alterno claro y oscuro por síntesis de arriesgada superación. Era natural, pero resulta admirable asistir al espectáculo de una madurez pictórica que evoluciona con riesgo, manteniéndose fiel a todos sus hallazgos anteriores. Aquí, en estos cuadros, puede apreciarse cómo la maestría y el justo sentido de un gran pintor elimina de la aventura todo peligro innecesario. Y cómo, también, puede llevarse el realismo íntimo del paisaje hasta límites precisos, traspasados los cuales la abstracción los purificaría con exceso.

Pablo Serrano.

Hay artistas cuya inquietud les impide detenerse a consolidar sus conquistas; tienen espíritu de descubridores, no de colonizadores del arte. No hay que decir siquiera que nuestra simpatía está al lado de ellos por cuanto tiene su obra de hermosa aventura, de arriesgada exploración. Pablo Serrano, escultor excepcional cuyo prestigio le viene de lejos, de antes de su Gran Premio de la Bienal Hispanoamericana de Arte, pertenece a esa raza de artistas que podrían vivir magníficamente de las rentas de lo ya conseguido y dominado –en su caso, un figurativismo de singular fuerza objetiva-, pero que prefieren dar el salto a lo desconocido, jugándoselo todo a la emoción de cada nuevo descubrimiento estético. Au reciente exposición en la Sala Neblí marca una experiencia de notable alcance hacia las formas más ingrávidas, más liberadas de materia. Rítmicas líneas de alambre, sostenidas en el aire por un malabarismo prodigioso, recortan, rompen o cierran espacios que se nos figuran tan inconmesurables como los astronómicos o tan misteriosos como los del corazón de los átomos. Sobre las cabezas de los visitantes, sus “móviles”, como ovillos diáfanos, cierran una intuición sideral, algo así como el grafismo airoso y artístico de una moderna teoría científica de los grandes espacios. Ha instalado Pablo Serrano sus obras con sumo acierto en las proporciones de esa sala, precediéndolas de dibujos –uno de ellos fotografiado y ampliado para que pueda seguirse la proyección de sus puntos en huida que engendran líneas que se prolongan sin fin como con apetencia de infinito-. Bajo estos “móviles” ingrávidos, en los que el artista parece entregarse al difícil juego de ponerle anillos a la nada, tal vez como contraste, como inteligente oposición, ha instalado otras obras de mayor peso específico, más próximas al dramatismo de hirientes clavos de algunas de sus anteriores esculturas. Son zarzas de hierro que surgen a los pies de los visitantes, que amenazan clavarles sus espinas recortadas por los dientes ardientes de la autógena. Y junto a estas zarzas férreas, en las que la aparente confusión se ordena en sorprendentes explosiones,  aún hay otras obras de aliento más trágico. Grandes restos de materia, planchas de hierro oxidado se levantan imponiendo la advertencia de no se sabe qué espantable riesgo catastrófico.

José María de Labra.

También la Sala Neblí ha sido el lugar elegido por el pintor José María de Labra para exhibir sus más recientes cuadros. Labra, uno de los artistas de hoy que ha tocado con más delicado tino la temática religiosa –recordamos su resonante triunfo en la Exposición de Arte Sacro de Salzburgo-, se ha entregado ahora a un aformalismo que tiene características de riguroso ejercicio espiritual de depuración. Toda la obra anterior de Labra, hecha abstracción, se encuentra presente en estos cuadros actuales, donde se ofrece en más exacta pureza.. Pintura conceptual, a la que no mueve ningún arrebato mantiene vigente una secreta, casi imperceptible palpitación de limpidez poética que la acerca, la confunde con sus anteriores cuadros figurativos, Podría decirse que el quiebro de la línea y el valor del color se identifican unos en otros. Pero en estos últimos lienzos se hallan congelados en esa pureza de mayor trascendencia intelectual que sensible. La lucidez precisa de los contrastes del negro y del blanco, nítidamente destacados, sobresalta los grises, pero no los conmueve. En cada cuadro hay varios témpanos o bloque de perfiles definidos por la claridad mental, a los que aglutina un orden indestructible. Labra, como Moreno Galván afirma, es el orden, incluso a su pesar. Un imperativo de precisión y claridad pugna por desgarrar en ellos las veladuras de un misterio, que, no obstante, mantiene intacta, como siempre en el arte, la oposición de su última y maravillosa resistencia.