Jueves, 28 de marzo de 2019

La práctica artística de Jong Oh es particular ya que no usa un estudio sino que crea esculturas mínimas in situ que responden a una situación espacial dada. Respondiendo a la configuración matizada de cada sitio, el artista construye estructuras espaciales al suspender e interconectar una selección limitada de materiales: cuerdas, cadenas, hilo de pescar, metacrilato, varillas de madera y metal e hilos pintados. Los elementos de sus obras parecen flotar, y dependiendo de la relación espacial del espectador con esta, los elementos aparecen como conectados y cruzados, o bien como absolutamente independientes, lo que sugiere dimensiones adicionales un espacio tridimensional simple. En ocasiones, los hilos que suspenden estos elementos son prácticamente invisibles y a veces el artista pinta el hilo ligeramente, reforzando la presencia visual del elemento. Jong también usa lailuminación para crear sus composiciones, donde sombras reales o líneas pintadas por el artista en grafito extienden sus estructuras etéreas y favorecen el efecto de la ilusión óptica en un diálogo de líneas y planos. Su práctica desafía la suposición tradicional en la escultura de masas densas y objetos pesados, actuando como dibujos simples pero complejos que señalan las particularidades del espacio en el que habitan.

 

 En estos límites paradójicos, constituidos por la tridimensionalidad y la bidimensionalidad, la consumación y la destrucción, la experiencia del espectador se convierte en una meditación sobre el capricho de la percepción humana. El trabajo de Jong es interactivo en el sentido de que la percepción y aprehensión de cada pieza por parte del espectador se logra únicamente a través de una exploración profunda de la misma y del espacio negativo resultante de la intervención del artista.

 

Oh apela al espectador a cuestionar su propia percepción y la forma en que tiene que relacionarse con el espacio que lo rodea, ofreciendo un espacio pa-

ra la meditación y la contemplación ante el ajetreo y el bullicio de la vida cotidiana contemporánea: un sutil y refinado haiku visual sobre la universalidad y el sonido del espacio.

 

Andrianomearisoa está siempre bordeando los límites. No plantea el acer-camiento a su obra de manera directa, sino que la sitúa en los límites de los deseos de quien quiera que vaya a descubrirla. Su obra radica en una pura cuestión de actitud, de posicionamiento ante la obra. Andrianomearisoa escucha el pulso de la vida con más generosidad de lo que ese pulso le ofrece, y encuentra así una forma de estar presente dans le nu de la vie, en la desnudez del mundo.

 

El espacio urbano es uno de sus intereses radicales. Los ruidos, olores, imágenes, luces, y en definitiva el incesante movimiento que genera la vida de la ciudad componen su universo sin por ello condenar al artista a un lugar específico. Sus imágenes trasladan al espectador a lugares a los que ni siquiera el artista imagina llegar. “Necesito sorprenderme por las imágenes. La situación tiene que ser completamente asombrosa. No me considero fotógrafo, soy alguien que construye imágenes”, asegura.

 

El artista necesita una estructura básica para componer su obra, y es entonces cuando comienza el experimento, la manipulación que define el proyecto. “La obra surge a través de diversas manipulaciones que me conducen al resultado final. Cuando realizo una instalación no alcanzo a imaginar su irrevocabilidad. Conozco cada elemento que la compone, pero en el momento en el que los organizo esos elementos, descubro algo más. Y es ahí cuando la pieza cobra sentido.” asegura Andrianomearisoa.

 

Su capacidad lírica radica en su capacidad para apoderarse de este momento decisivo en el que no se distingue el comienzo del fin. (Texto e imágenes cortesía de galería Sabrina Amrani)

Lunes, 25 de marzo de 2019

Art Marbella se celebrará del 30 de julio al 3 de agosto 2019 en el Palacio de Ferias, Congresos y Exposiciones de Marbella.

 

La quinta edición de la cita marbellí con el arte moderno y contemporáneo plantea un nuevo concepto de feria en el que los espacios de las galerías serán repensados para sustraerse a la frialdad inherente del clásico stand, con el propósito de que las obras de arte se expongan en un espacio similar al que se encontrarán en el hábitat de sus futuros coleccionistas.

 

Este nuevo concepto surge de la mano de los prestigiosos interioristas, Sergio Sánchez Pardo y David Jiménez García, de Deseesedesign, quienes han concebido un espacio para el disfrute del arte con amplias zonas comunes e íntimos stands, de tal modo que la experiencia en torno al arte, a la belleza, por parte de los visitantes sea completa. Tanto Sánchez Pardo como Jiménez son también responsables de la dirección artística de Marbella Design que se celebrará del 4 al 15 de julio en la misma ubicación.

 

Otra de las grandes novedades de la edición 2019 serán los espacios comisariados, los cuales tendrán como protagonistas a Violeta Janeiro (gallega, residente en Madrid) que presentará un proyecto en el que reunirá un grupo de galerías en torno a la idea de riesgo; y a Mariela Velasco (mexicana, residente en Milán) que mostrará un conjunto de galerías que trabajan de manera significativa en diferentes territorios.

 

Por primera vez, la feria concederá el Premio Adquisición Joven, que será otorgado por Marten Esko (codirector del Contemporary Art Museum of Estonia - EKKM de Tallin) y Eva Riebová (comisaria en MeetFactory Center for Contemporary Art de Praga), galardón que reconoce la obra joven más repre-

sentativa.

 

El director y fundador de Art Marbella, Alejandro Zaia, comenta que "estamos convencidos de que el modelo clásico de feria de arte con stands fríos e impersonales tiene que cambiar. Por ello hemos creado un ambiente absolutamente distinto al que estamos acostumbrados en este tipo de eventos. Queremos que el coleccionista o amante del arte viva la experiencia de admirar una obra de arte en un ambiente similar al que ocuparía en una colección, poniéndolas en el contexto del Domus. También hemos potenciado los espacios comunes para que sean amplios, acogedores y que supongan un verdadero lugar de encuentro, de descanso y deleite de los sentidos".

 

Uno de los ejes principales de la feria serán los espacios comisariados por Violeta Janeiro y Mariela Velasco. Janeiro reunirá un grupo de galerías en torno a la idea de riesgo. El proyecto reformula las políticas de espectaduría e interacción de los galeristas con los visitantes, al poner en marcha un nuevo formato de exposición que va mucho más allá del cubo blanco. Mientras que Velasco, a su vez, presenta Correspondencia, iniciativa que aglutina un conjunto de galerías que trabajan de manera significativa en diferentes territorios, las cuales han generado con su presencia intercambios, cruces de información y diálogos interculturales.

 

Otra gran novedad será el Premio Adquisición Joven que por primera vez concederá la feria a la obra joven más representativa y que será otorgado por los comisarios internacionales Eva Riebová y Marten Esko. El galardón busca reconocer el mérito de los jóvenes artistas que se presentan en la feria. (Texto e imágenes cortesía de Art Marbella)

Viernes, 22 de marzo de 2019

El próximo 23 de marzo a las 20:30 horas, AADK abre las puertas del Centro Negra, en donde os invitamos a conocer de cerca los procesos artísticos de Sarah Rose Guitian (Madrid / Rotterdam) y Florian Braakman (Velp / Rotterdam), Ping Zheng (Provincia de Zhejiang / Nueva York), Soeine Bac (Seúl / Vancouver) y Joong Yong Kim (Seúl / Berlín) y Mijin Hyun (Seúl / Berlín), los artistas en residencia del mes de marzo.

 

El trabajo de Sarah Rose Guitian se origina en escenas de la vida cotidiana, donde todos interactúan entre sí de forma inconsciente. Sarah captura los aspectos “marginales” de nuestra sociedad. Por ejemplo: cómo las personas se presentan en el espacio público y las huellas que dejan en él. Encuentra fragilidad y el simbolismo de cómo el comportamiento humano está influen-ciado por el tiempo y la rutina.

 

Florian Braakman es un fotógrafo documental autónomo, cuyo trabajo consiste en la realización de series de imágenes fotográficas. A través de una relación personal con la temática de su trabajo que se centra especialmente en el concepto de “vecindario”, Braakman está interesado en abordar temas universales, sociales y culturales más amplios. En holandés, el término “buur-man” (vecino) es una jerga utilizada para saludar a las personas que te rodean.

 

Utiliza la fotografía como un medio para relacionarse con las personas, de cuestionar el mundo y de entender el ritmo acelerado de nuestra “realidad” cotidiana. Sus fotografías se presentan principalmente en series, lo que permite que las imágenes puedan conversar entre sí en formato de publicaciones e instalaciones.

 

Nacida en Zhejiang Provence, China, Ping Zheng creció en una familia patriarcal tradicional bajo la restricción de la política del hijo único del gobierno. Ella describe la naturaleza como el refugio de su infancia, ya que vivió en muchas regiones geográficas diferentes, rodeada de entornos naturales de marcado contraste. Como artista, su inspiración bebe de los paisajes naturales, donde se siente libre y en paz como un ser libre, lejos de las presiones familiares.

Ping Zheng está interesada en el Subconsciente, con un enfoque particular se aproxima al arte como un medio de desarrollo personal. Su obra se mueve

entre lo figurativo y lo abstracto, funciona como metáfora de la energía y las posibilidades ilimitadas que surgen de la libertad artística y su apasionada creencia en la igualdad, tan amplia como el deseo de expandir sus horizontes.

 

Soeine Bac estudió fotografía y arte interactivo en Canadá, y Cultura Visual en Londres, Reino Unido. Soeine Bac se centra principalmente en la intención en el arte; la improvisación se convirtió en su método para fusionar el arte visual y el movimiento, y comenzó a incorporar la instalación y la performance contextual.

 

Actualmente su foco se encuentra en las relaciones entre el cuerpo y el mapeo. Interesada en identificar el sentido del yo en relación con la forma en que percibimos los aspectos culturales y geográficos de nuestro entorno.

 

Joong Yong Kim es originario de Corea del Sur, donde comenzó una educación artística tradicional en escultura. Frustrado por las limitaciones de una educación de base técnica, quería seguir pensando sobre el arte en sí mismo, por lo que dejó su maestría y se mudó a Berlín para explorar la visión del arte desde diversas perspectivas en una escena artística diferente. Desde entonces, su acercamiento al arte continúa evolucionando. Interesado en un comienzo en la expresión artística y sus logros técnicos, de un tiempo a esta parte su interés ha derivado en tratar de entender cuáles son los procesos de producción arte y cómo funciona el aparato que transforma algo en arte. Tratando de mantener una actitud y perspectiva observadora y objetiva, investiga y empuja de forma lúdica los límites del contexto, las instituciones, las escenas y las convenciones sociales en las que se hace, distribuye y consume el arte.

 

Mijin Hyun está interesada en las situaciones relacionadas con el arte, donde el público entra en un espacio e interactúa con una obra. Para ello utiliza diversos medios como sonido, video o performance. Espera investigar la relación entre la mercancía y la obra de arte, especialmente enfocándose en artículos del hogar o interiores, como puertas, suelos, muebles, etc. Conecta los objetos cotidianos y su uso en el contexto del museo o la galería de arte, y explora los elementos arquitectónicos, ya que la espacialidad juega un papel importante en la percepción de la audiencia. (Texto e imágenes cortesía de AADK Spain)

Jueves, 21 de marzo de 2019

La Feria Internacional de Arte Emergente de Málaga celebrará su próxima edición del 14 al 16 de junio en un nuevo espacio. La sede de esta quinta edición será el Alcazaba Premium Hostel, un hotel boutique situado en pleno centro de Málaga.

 

Art & Breakfast, que cumple ya cinco ediciones, se ha posicionado como una de las citas ineludibles con el arte más arriesgado y joven en la Ciudad de los Museos. Con sede en un hotel, las estancias se convierten en sedes efímeras de galerías y proyectos artísticos, adaptándose a las peculiaridades del lugar y presentando sus propuestas de una forma cercana que ha cautivado a su público en las pasadas ediciones.

 

La Feria parte de una propuesta no convencional, concibiéndola como un espacio de intercambio en torno a las prácticas artísticas más novedosas, al mismo tiempo que fortalece el trabajo en red entre gestores culturales, galeristas, comisarios y artistas de todas las disciplinas.

 

La participación en Art & Breakfast está dirigida a galerías de arte, colectivos artísticos y artistas independientes, a través de dos modalidades: expositores

y soloprojects. El plazo de inscripción está abierto hasta el próximo 1 de julio o hasta agotar espacios, contando con una tarifa premium, en condiciones ventajosas, para los que se adelanten a asegurar su participación antes del 29 de marzo. Toda la información sobre la nueva edición está disponible en su web www.art-breakfast.com

 

Art & Breakfast no es una feria al uso, sino que se propone como una completa programación destinada a todos los públicos que incluye encuentros profesionales, conferencias, exposiciones y talleres, entre otras actividades. La Feria es, además, multisede, extendiendo su actividad a través de los principales museos y espacios culturales de la ciudad.

 

Art & Breakfast /5 es una iniciativa de Factoría de Arte y Desarrollo, entidad nacida en 2009 para la difusión de productos y servicios relacionados con el arte y la cultura. Entre sus actividades destaca la organización de eventos como WE ARE FAIR! Feria Internacional de Arte Emergente de Madrid, exposiciones, publicaciones, intervenciones (La Noche en Blanco, Libros Mutantes, etc.), convocatorias de artistas... (Texto e imágenes cortesía de Art & Breakfast)

Jueves, 13 de marzo de 2019

El Museo Francisco Sobrino exhibirá CUVO Festival de Videoarte entre los días 15 y 31 de marzo de 2019 gracias a la colaboración entre Investigación y Arte y el Patronato Municipal de Cultura. A la inauguración el día 15 a las 19:00 asistirán los organizadores, su comisaria Carmen Vera y el artista Josué Bernabé cuya obra es parte de este festival, para hablar del arte en los medios digitales y sus formas en esta nueva edición.

 

Durante dos semanas se proyectarán las 8 piezas de videoarte seleccionados de una convocatoria internacional en la que han participado más de 170 creadores de 42 nacionalidades diferentes y que ha tenido por tema vertebral las ‘Cámara Vírica'. Esta exhibición es, en palabras de sus organizadores: "una oda al videoarte, un viaje audiovisual a través de ocho visiones de la cámara de vídeo en la actualidad para fomentar la crítica, la autoconsciencia y los diferentes estilos que se han asentado en esta disciplina artística".

 

CUVO es un festival itinerante con una larga trayectoria que se ha ido ampliando con los años. Nació hace más de una década recopilando anualmente piezas de videoarte como un pequeño experimento de análisis del medio, pero dio un salto cualitativo y cuantitativo en el momento en que se decidió abrir esta modalidad de arte a otras localidades y espacios fuera de la capital.

 

Además de Guadalajara, ciudades como Úbeda, acogen este festival que es cada vez más prestiogioso, como demuestra el hecho de que algunas de las obras que forman parte de Cámara Vírica sean también parte de la muestra de otros festivales como MADATAC (Madrid), y sus artistas tengan presencia en los más longevos festivales de audiovisuales del mundo, como el de Touluse, Tokio, París, Buenos Aires, Nueva York o los de México y la India. El 

año pasado CUVO ya formó parte del museo efímero Franqueados18, instalado en la madrileña plaza de Callao durante la semana que se realizaba ARCO.

 

CUVO vuelve a Guadalajara para explicar y compartir las últimas novedades del videoarte. Lejos de ser un “festival conceptual” o accesible sólo a unos pocos, CUVO llega para convencer a todos de las virtudes que tiene el vídeo como arte, dado que en el momento actual, de amplia expansión en las redes sociales, hay que separar el grano de la paja; es decir, es una muestra para aprender a valorar y diferenciar un nuevo tipo de arte tan valioso para nuestra sociedad como la pintura o la escultura.

 

Se verán las videocreaciones de los siguientes artistas del más alto nivel internacional: Danilo Bracchi y Felipe Cortez (Brasil); Zhang Yunfeng (China); Josué Bernabé (España); Josh Bricker (Estados Unidos); Gabriel Gabriel Garble (Malasia); Sandrine Deumier (Francia); Pablo-Martín Córdoba (Argentina) y Rudolph Castro (Perú).

 

CUVO se desarrollará en Guadalajara en dos espacios: en el Museo Francisco Sobrino y en la sala Tragaluz del Teatro Auditorio Buero Vallejo. En el primero tendrá lugar la inauguración de la muestra el próximo viernes 15 de marzo a las 19:00h. a la que asistirán los organizadores del Festival y Josué Bernabé, creador de "Faster", para hablar de los lenguajes del videoarte y de los medios que se emplean para crear sus obras. Las obras estarán accesibles al público general durante el horario habitual del museo hasta el día 31 de marzo. La segunda sede se utilizará para la realización de proyecciones didácticas concertadas con centros educativos, que estarán dirigidas a estudiantes de segundo ciclo de la ESO y de Bachillerato. (Texto e imágenes cortesía de Investigación y arte)

Martes, 12 de marzo de 2019

Por un lado, uno de los galeristas nacionales especialmente satisfecho ha sido Víctor Lope Arte Contemporáneo (Barcelona), cuya selección, integrada por los trabajos de Patrik Grijalvo, Kepa Garraza, Jacinto Moros y Dirk Salz, junto con el solo show de Alejandra Atarés en el programa One Project, funcionaron muy bien a nivel comercial, vendiéndose piezas tanto a coleccionistas privados como a grandes colecciones de fundaciones. Además, el galerista Víctor Lope agradece haber sido destacado y premiado como uno de los dos mejores stands de esta edición. Por otro lado, la galería taiwanesa Yiri Arts, dirigida por Orton Huang y presente en la feria desde hace años, destaca que “la mayoría del público ya conoce mucho mejor a nuestros artistas; esta edición hemos optado por crear un diálogo más intenso entre los artistas taiwaneses y los españoles, presentado a dos mujeres (Chen Yun y Mònica Subidé) y dos hombres (Guim Tió y Lai Wei-Yu) y múltiples conexiones entre ellos”. Siendo el trabajo de Guim Tió el más vendido, el equipo de la galería afirma que siempre disfruta mucho participando en Art Madrid.

 

Por último, David Delgado Ruiz, director de la galería online DDR Art Gallery, una de las galerías que participaron por primera vez dentro del One Project, reconoce que, aunque quedan algunos tratos por concluir en los próximos días, el balance es bueno y destaca la acogida del trabajo de Virginia Rivas: “la acogida ha sido excelente, tanto por parte de la crítica especializada y los coleccionistas, como por parte del público general”.

 

Por tercer año consecutivo, Art Madrid vuelve a contar con la participación de Cultura Inquieta. Media partner oficial de esta edición, Cultura Inquieta es uno de los medios de comunicación más interesados e implicados en la cultura actual. Este año invita a todos los visitantes a sacar su lado más creativo en el stand que tiene en la feria.

 

Como dos lienzos en blanco empezaron las dos paredes del stand de Cultura

Inquieta, preparados para acoger todo tipo de manifestaciones artísticas y fomentando la libre expresión y la creatividad sin límites. En sus murales colectivos han participado artistas presentes en la feria y visitantes de todas las edades o procedencias… En realidad, todos podemos ser creativos y prueba de ello es que en su stand apenas queda un hueco libre para intervenir. Sin embargo, todos los que queráis formar parte de estos murales seguro que, con cierto ingenio, encontraréis la manera de dejar vuestra huella. Además, en su stand podréis conocer otros de sus proyectos o algunos de los creativos productos que ofrecen desde su tienda online y que han seleccionado para que podáis verlos en Art Madrid: píldoras de arte, diseño e inspiración.

 

El equipo de Cultura Inquieta presenta “un espacio propio, un par de metros cuadrados donde sintetizar nuestro universo para canalizar, acercar y empaparnos de todo lo que sucede. Un espacio, sobe todo, para compartir. Compartir tiempo, palabras y creatividad. Un lugar en el que descansar durante unos minutos, hablar, reir y reflexionar” teniendo como fin último “acercar el arte absolutamente a todo el mundo”.

 

Como las razones que motivan este tipo de propuestas son tantas, Cultura Inquieta las compara con los propios principios del arte: Unidad o armonía, porque, como explica el equipo, las intervenciones se integran de forma tan natural, que llegan a peder de vista los límites que impone el espacio; variedad, porque les encanta tener la posibilidad de asomarse a una ventana infinita de inspiración, ejercicio que pueden practicar recorriendo Art Madrid, donde encuentran las obras tanto de artistas emergentes como consagrados, “toda una experiencia casi mística”; o el balance, porque “somos conscientes de que la vida es lo que sucede entre los 0 y los 100 años, por lo que intentamos mirar con los ojos de niños, y a los niños tratamos de darles alas para pintar, para soñar, para creer en un futuro mucho mejor a través del arte”. (Texto e imágenes cortesía de Art Madrid)

Lunes, 11 de marzo de 2019

Un año más, Art Madrid refuerza su posición como una de las ferias de arte contemporáneo más destacada en la Semana del Arte, clausurando su decimocuarta edición con un balance muy positivo: más de 20.000 personas visitaron la feria y la gran mayoría de los galeristas participantes afirman estar muy satisfechos con el balance de ventas efectuadas durante los cinco días de celebración.

 

Esta edición, la feria ha vuelto a superar las cifras de visitantes siendo, en opinión general del público, una de las ferias más acogedoras, cercanas y agradables en su recorrido. Además, esta edición ha logrado unas excelentes impresiones por parte del sector profesional, destacando por tener un mayor protagonismo en los medios de comunicación nacionales e internacionales. En segundo lugar, el Programa Paralelo de actividades también ha destacado por recibir una gran acogida por parte del público general y una excelente crítica del sector profesional. Este año el programa estuvo dedicado al videoarte, fue comisariado por Mario Gutiérrez Cru, director del Festival de videoarte Proyector y celebrado en CaixaForum Madrid y la Sala Alcalá 31.

 

En general, los medios han destacado el nuevo y más cualitativo criterio de selección del Comité y de los galeristas, presentando selecciones estrictamente contemporáneas y dejando definitivamente atrás el llamado “segundo mercado”. Además, en esta edición todas las disciplinas artísticas actuales han tenido cabida, desde la pintura, la escultura, la fotografía, el videoarte hasta aquellas más híbridas e incluyendo artes vivas como la performance. Las críticas más sobresalientes se han vinculado, por un lado, con el nuevo programa One Project, comisariado por Nerea Ubieto; y por otro lado, con la performance “Copying Claudia”, realizada por el artista Pachi Santiago (Galería Zielinsky). Sin duda, los medios también han celebrado especialmente la instalación audiovisual dentro de la serie “Repúblicas míni-

mas” del Artista Invitado, Rubén Martín de Lucas.

 

Como explica el crítico y comisario Alfonso de la Torre, miembro del Comité de Art Madrid, la feria “ha alcanzado su mayoría de edad”, destacando “la calidad de la selección de galerías” que este año se han expuesto “con mayor clarificación del espacio, lo que ha permitido una mejor lectura y apreciación de las obras”.

 

En la feria se ha generado un alto volumen de ventas y la gran mayoría de galeristas están muy satisfechos con el balance de ventas realizadas. En general, cabe destacar el aumento de la presencia de coleccionistas particulares e institucionales, desde entidades locales y autonómicas hasta internacionales. Sobresalen las visitas de profesionales de Administraciones de todo el país; responsables de instituciones culturales públicas tan destacadas como el Ministerio de Cultura, MUSAC, IVAM, MARCO, ARTIUM, CA2M, CEART o el Museo Picasso; especialistas y académicos de universidades nacionales como la Universidad Complutense de Madrid, la Universidad Autónoma de Madrid o la Universidad Nebrija; al igual que han recorrido la feria representantes de colecciones privadas como las de Iberdrola, Repsol, Iberia, Mercedes-Benz o Inelcom.

 

Expositores nacionales como Víctor Lope Arte Contemporáneo (Barcelona), Bea Villamarín (Gijón), Moret Art (A Coruña), Marita Segovia (Madrid), Miquel Alzueta (Barcelona), Aurora Vigil-Escalera (Gijón), Zielinsky (Barcelona), Hispánica Contemporánea (Madrid-Ciudad de México), 3 Punts (Barcelona), BAT Alberto Cornejo (Madrid), DDR Art Gallery (Madrid) o About Art (Lugo), junto con expositores foráneos como Paulo Nunes-Arte Contemporânea (Vila Franca de Xira, Portugal), Schmalfuss (Berlín) o Yiri Arts (Taipei, Taiwán), señalaron un balance positivo. (Texto e imágenes cortesía de Art Madrid)

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