Viernes, 14 de junio de 2019

Adentrarse en la obra de Iván Araujo (Madrid 1971), cuyos fundamentos técnicos transitan la pintura, el grabado, el libro de artista y la escultura, supone inmiscuirse en el acervo simbólico de un creador exigente para con el espectador, que conmina al observador a ser partícipe último de cuantos elementos se concitan en su propuesta. El objeto se erige en raquis y símbolo, en elemento vertebrador y semiótico, en pieza elemental y última. Vibrante es su homenaje a la propia pintura en tanto que avezado y  erudito espectador de cuantas referencias conscientes y explícitas se dan cita en los papeles y lienzos; desde la memoria límbica de la pintura metafísica al eclecticismo de la Transvanguardia italiana, pasando por alegorías de la figura humana, objetos imposibles y arquitecturas citadinas.

 

Deambulan por su pintura, como si de una trepidación epidérmica se tratase, los elementos primigenios, el germen de la idea (dibujo), la recurrente y obsesiva fascinación de los símbolos revelados en fetiche (el agua, los fluidos corporales, los canales neuronales, las herramientas del artista). Su escultura se transmuta en el caso de los bodegones en artefactos de colores patinados  “que hablan de una manera silenciosa”; maderas encontradas y ensambladas en búsqueda de un equilibrio de formas que cortan el plano con una singular combinación de sutileza y descarnamiento que se aleja del bulto en redondo de la tridimensionalidad convencional, a modo de ejercicio de eclosión desde la superficie pictórica.

 Las arquitecturas se materializan en la casa/símbolo que tan presente parece haberse aferrado a su trayectoria e imaginario estético, componiendo una po

polisémica fábula de introspección arquitectónica a cerca del lar como útero materno; casas prácticamente ciegas que exhortan al abismo de ausencias y a un lirismo punzante que proviene de ciertas sugestiones.

 

                                                                                                                    José Ramón Alarcón, La metafísica del objeto de Iván Araujo (fragmentos)

 

La muestra ‘Distopías’ de Iván Araujo se inaugura hoy viernes a las 20:30 horas en Casa EL Coleta I959 (Cta. Vieja de Los Barrios, s/n. Algeciras, Cádiz), comisariada por Nando Argüelles Art Projectos. Permanecerá en el espacio hasta el día 28 de julio de 2019. (Texto e imagen cortesía de Nando Argüelles Art Projectos)

Miércoles, 12 de junio de 2019

La inauguración de la muestra tendrá lugar el miércoles 12 a las 16 horas en stand P18, Hall 2.1.

 

Ignasi Aballí (Barcelona, 1958) traza las huellas esquivas que deja el paso del tiempo en obras que emplean un abanico ecléctico de materiales no convencionales como polvo, corrosión, recortes de periódicos, jirones de billetes de banco o líquido corrector de máquina de escribir. La delicada poesía visual que de ellos emerge está bañada en un sentido obsesivo, pero no sentimental, de lo fugaz y lo efímero.

 

Armando Andrade Tudela (Lima, 1975) explora los planos que interseccionan entre la cultura popular, la política y las bellas artes. Aunque emplea con frecuencia el contexto histórico y cultural de América Latina como su punto de partida, a un nivel más profundo, su obra se centra en los sistemas complejos de traducción y transferencia. El artista se mueve con libertad entre un amplio espectro de medios y materiales, tales como la fotografía, el vídeo, la escultura, el dibujo o la instalación, mientras que también incorpora regularmente elementos de artesanía y diseño en su obra.

 

Formado originalmente como escultor, Ibon Aranberri (Itziar-Deba, Gui-púzcoa, 1968) trabaja en una amplia variedad de formatos, entre ellos la escultura, la fotografía, el cine y las prácticas colaborativas. La obra de Ibon Aranberri se centra habitualmente en la intervención humana dentro el entorno natural, llegando a un sutil análisis de la compleja superposición de historia, cultura, estética y política que nos rodea. Su trabajo, preciso y analítico, examina concienzudamente códigos de significación y repre-sentación.

 

Carlos Bunga (Oporto, 1976) crea obras centradas en el proceso - instalaciones, performances, vídeo, dibujos y, fundamentalmente, instala-ciones específicas que intervienen la arquitectura. Aunque a menudo utiliza materiales corrientes y sin pretensiones, como cartón de embalaje y cinta adhesiva, las obras acabadas implican un grado extremo de preocupación estética y delicadeza, además de una complejidad conceptual derivada de la interrelación entre hacer, deshacer y rehacer, entre lo micro y lo macro, entre la investigación y la conclusión.

La obra de Fernanda Fragateiro (Montijo, 1962) explora el espacio en sus diversas manifestaciones fenomenológicas – arquitectónico, escultórico, privado, público, temporal, socialmente determinado, definido por el género - a través de esculturas, instalaciones e intervenciones al aire libre. La obra de Fragateiro, aunque suele variar en escala y recurre a un amplio espectro de referencias, mantiene un estilo característico, nacido de una estética formal tan meticulosa como minimalista.

 

A lo largo de los últimos cuarenta años, Hreinn Fridfinnsson (Baer Dölum, Islandia, 1943) ha forjado un estilo artístico sumamente personal e idiosincrático, que se podría definir como un conceptualismo lírico. Fridfinnsson se mueve con la misma facilidad en el terreno de la ficción que en el de la no ficción, tanto entre los recuerdos como entre los espejismos, entre las cosas reales y sus reflejos.

 

Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956) ha reunido un cuerpo rico y variado de esculturas, entornos escultóricos y obras basadas en la fotografía, que combinan texturas materiales, fuentes literarias, luces y sombras. En la obra de Iglesias la ambigüedad intencional y la inmediata presencia física del espectador se combinan para crear una matizada interacción con los escenarios arquitectónicos.

 

Joachim Koester (Copenhague, 1962) utiliza su práctica para explorar las ambiguas zonas intermedias entre la realidad y la ficción, la verdad y la casi-verdad, lo banal y lo misterioso. Suele inspirarse en acontecimientos históricos para investigar los relatos no lineales y menos elaborados que subyacen y los socavan. Su técnica principal es la fotografía, pero se mueve libremente en diversos medios como el vídeo, cine, instalación, sonido, textos y proyectos colaborativos.

 

La actividad teatral de Guillermo Kuitca incluye la dirección de sus propios espectáculos ‘Nadie olvida nada’ (1982), ‘Besos brujos’ (1983) y ‘El mar dulce’ (1984). En el 2002 estuvo a cargo del diseño escenográfico para ‘La casa de Bernarda Alba’, de García Lorca y en el 2003 realiza la escenografía de ‘Der Fliegende Holländer’, de Richard Wagner, en el Teatro Colón de Buenos Aires. (Texto e imágenes cortesía de galería Elba Benítez)

Martes, 11 de junio de 2019

El próximo 12 de junio, a las 15 horas, el Palacio de Gaviria abrirá al público su nueva exposición dedicada al fotógrafo chino Liu Bolin. Bajo el título ‘The Invisible Man’, esta retrospectiva presentará al público madrileño la obra de un artista que ha sido descrito como "el hombre invisible" y cuyo trabajo gira en torno al arte performático del camuflaje.

 

La exposición, organizada por Arthemisia en colaboración con la Galería Boxart de Verona, está dividida en siete secciones que recogen diferentes ciclos temáticos de la obra del Bolin: sus primeras obras, realizadas en 2005 y recogidas bajo el título ‘Hiding in the City’, sus trabajos sobre migración, sus obras en ciudades italianas o algunas campañas publicitarias. La retrospectiva, que incluye en torno a 70 piezas, podrá visitarse en Madrid hasta el 15 de septiembre de 2019.

 

A lo largo de su trayectoria, Liu Bolin se ha fotografiado fusionándose con grandes monumentos históricos, edificios, supermercados, obras de arte, desperdicios, etc. En sus trabajos casi siempre aparece solo, mimetizándose con el sujeto principal de la imagen. Sin embargo en algunas de sus series, como la titulada Migrantes que también podrá verse en el Palacio de Gaviria, el artista representa la otra cara de la moneda, colaborando con inmigrantes subsaharianos que se mimetizan con playas y pateras para denunciar uno de

los dramas de la sociedad en el siglo XXI. Bolin, que trabaja en sus obras con varias disciplinas —pintura, instalación y fotografía—, utiliza la idea de camuflaje para hablar de cuestiones sociales que afectan a la vida diaria de los seres humanos. Se trata de una protesta silenciosa, "transparente", que invita a pensar sobre identidad, sobre lo que consumimos y lo que somos, así como los problemas que nos rodean. Sus trabajos le sirven de medio para transmitir mensajes aparentemente ocultos que invitan al espectador a reflexionar.

 

Liu Bolin (Shandong, China, 1973) estudió escultura en la Central Academy of Fine Arts en Beijing y se graduó con un MFA (Master of Fine Arts) en 2001. Conocido como "el hombre invisible" entre los medios de comunicación, Bolin trata las preocupaciones sociales de su país de origen a través de su trabajo artístico. Sus fotografías se han expuesto en numerosos museos e instituciones de todo el mundo; además, ha trabajado y colaborado con organizaciones, instituciones y personas como el Museo del Louvre, Harper's Bazaar Magazine, JR, Carlos Cruz-Diez, Jon Bon Jovi y Kenny Scharf.

 

Esta será la primera exposición retrospectiva dedicada a Liu Bolin en Madrid y ha sido ya presentada por Arthemisia, con una gran acogida por parte del público, en el Complesso del Vittoriano - Ala Brasini de Roma (2018). (Texto cortesía de Arthemisia e imágenes cortesía de galería Boxart, Verona )

Lunes, 10 de junio de 2019

La galería Juana de Aizpuru participa este año en la feria Art Basel, del 10 al 16 de junio, presentando dos proyectos en el programa general,  realizados por Cristina de Middel y Dagoberto Rodriguez. Y la instalación ‘Life Dresses’ de Alicia Framis en el programa Unlimited.

 

Cristina de Middel, ‘Funmilayo’

 

En 1977, Fela Kuti, uno de los intérpretes africanos más osado y carismático, publicó “Unknown Soldier”, un tema hipnótico de 30 minutos de duración en el que hace rendida cuenta de la destrucción de su casa y del posterior juicio en el que el ejército nigeriano fue absuelto a pesar de haber coordinado el ataque bajo la mirada de oficiales de alto rango.

 

Se estima que unos 1.000 soldados participaron en el asalto de Kalakuta Republic. La casa fue incendiada hasta su total destrucción y sus habitantes golpeadoso y abusados de distintas formas. La madre de Fela Kuti, Funmilayo Ransome-Kuti, con 78 años de edad, fue tirada por la ventana de un segundo piso y sufrió lesiones que desembocaron en una trágica y prematura muerte. El juicio declaró como único culpable del crimen a un “soldado desconocido”.

 

Funmilayo fue una veterana activista por la independencia de Nigeria de la colonia británica y por el derecho a voto de las mujeres en el continente. Creó el primer sindicato de mujeres para luchar contra la subida de los precios en el mercado y fue tambien la primera mujer africana en conducir un coche.

 

La Fotografía ha sido entendida desde casi sus inicios como materia prima de historiadores para escribir la crónica de los hechos y sólo ahora, con el auge de las fake news se empieza a cuestionar seriamente su neutralidad. En esta serie, Cristina De Middel le asigna una nueva versión de los hechos en los que la justicia está servida y dónde se omite cualquier contexto, sólo una mancha uniforme de color que impide ver el fondo. Los soldados son ahora los que caen mientras las mujeres miran por la ventana y ellas cargan ahora el  peso de la tradición y la hombría como la materia prima de su lucha silen-

ciosa.

 

Nuevos documentos que no esconden su predilección y que apuntan a equilibrar los recuerdos y la memoria que aceptamos como cierta por defecto.

 

 

Dagoberto Rodríguez

 

‘Metropolis’ proviene de una idea de mi trabajo anterior, que es el de las bibliotecas utópicas, como un proyecto para una estantería gigante.

 

‘Náufrago I’: los náufragos reciclan los restos de aviones. Tomé la historia de la aviación, el sueño de volar, como una metáfora del progreso tecnológico y científico, que en contraposición a lo que se creía es finito, y cómo este progreso puede volverse contra nosotros, la idea del "náufrago tecnológico". Este gran monumento a la tecnología actúa como un tótem para aquellos que no han sido abandonados.

 

‘Refugio III’ es una aproximación artística a la idea de la soledad y al individualismo de la sociedad contemporánea. Lo relaciono con la idea de una ermita, como un icono de retiro y reflexión.

 

 

Alicia Framis, ‘LifeDress’

 

La colección LifeDress ofrece una nueva forma de manifestación contra el acoso sexual y la violencia hacia las mujeres, que consiste en vestidos hechos con tela de airbag para automóviles: un material de alta tecnología hecho en Japón con una alta resistencia a los impactos y al fuego. Cada vestido está hecho para protegerse contra una forma diferente de acoso, y está diseñado para cambiar de forma cuando ocurre una intimidación. De esta manera, Framis trata un problema serio, pero a través de un acto surrealista. (Texto e imágenes cortesía de galería Juana de Aizpuru)

Jueves, 6 de junio de 2019

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando acoge la exposición ‘La radice del domani’, que reúne los trabajos de veintitrés artistas e investigadores españoles, italianos y latinoamericanos, seleccionados mediante un concurso anual convocado por el Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación para una estancia en la Real Academia de España en Roma, durante el periodo 2017-2018. Todos ellos han desarrollado un proyecto ligado a la ciudad de Roma.

 

La muestra, comisariada por Jesús Donaire, arquitecto y ex becario de la RAER, cuenta con la presencia de Javier Arbizu, Juan Baraja, Ángela Bonadies, Julia de Castro, María Teresa Chicote, Roberto Coromina, Miren Doiz, María Esteban Casañas, Inma Herrera, Javier Hontoria, Miguel Leiro, Miguel Marina, Leire Mayendía, Cecilia Molano, Álvaro Negro, Nuria Núñez, Santiago Pastor, Abel Paúl, Milena Rossignoli, María Gisèle Royo, Javier Sáez Castán, Elena Trapanese y Ana Zamora.

 

Hace ciento cuarenta y cinco años que la RAER acoge becarios en su sede ubicada en San Pietro in Montorio junto al espectacular Templete de Bramante. ‘La radice del domani’ hace mención al mañana que está aún por descubrir y a una institución que ha tenido la capacidad de adaptarse al cambio mediante la ampliación de disciplinas artísticas a lo largo de su historia. También evoca el origen romano como una de las raíces básicas de la cultura occidental y como fuente de inspiración de los numerosos creadores que han sido becados por la Academia.

 

Las becas de disciplinas de clásicas –pintura, escultura, arquitectura, música y arte gráfico– instauradas durante los primeros cien años de la Academia han

sido disfrutadas en la promoción 2017-2018 por los creadores Miguel Marina, Roberto Coromina, Javier Arbizu, Miren Doiz, Álvaro Negro, Milena Rossignoli, María Esteban Casañas, Santiago Pastor, Abel Paúl, Núria Núñez e Inma Herrera. Más tarde, la institución se abría a otras disciplinas como historia del arte, restauración, arqueología, museología y literatura, representadas este año por María Teresa Chicote y Elena Trapanese.

 

El auge de la creatividad a través de otros formatos hacía necesaria otra ampliación y, por ello, hace aproximadamente cincuenta años, la institución acogía también la cinematografía, la fotografía y las artes plásticas y escénicas, representadas por María Gisèle Royo, Ángela Bonadies, Juan Baraja, Javier Sáez Castán, Julia de Castro, Ana Zamora y Cecilia Molano.

 

Las disciplinas incorporadas recientemente, siguiendo el espíritu de apertura que siempre ha caracterizado a la RAER, han sido el cómic, el diseño gráfico, la videocreación, el comisariado y mediación artística, las artes visuales, la gastronomía, la moda, el diseño industrial y las nuevas tecnologías. Este año desarrolladas por Leire Mayendía, Javier Hontoria y Miguel Leiro.

 

La Real Academia de España en Roma fue creada en 1873 durante el gobierno de la Primera República. Como se lee en el decreto fundacional, la nueva institución nació para “fomentar el genio nacional” ofreciendo “a nuestros artistas algún campo de estudio, algún lugar de recogimiento y de ensayo, en la ciudad que será eternamente la metrópoli del arte, en Roma”. (Texto e imágenes cortesía de la Real Academia de España)

Miércoles, 5 de junio de 2019

Durante el mes de junio, la Central de Diseño de Matadero Madrid y Medialab Prado acogen una nueva edición de REHOGAR, proyecto del colectivo Makea Tu Vida que trabaja en la intersección de los mundos del diseño y la ecología. Como en anteriores ocasiones, REHOGAR consta de una exposición colectiva y un encuentro anual en torno al diseño abierto y la reutilización como herramientas de transformación social.

 

En su décima edición, REHOGAR muestra un ecosistema de prácticas y objetos que plantean otros hábitos de consumo y producción, que generan conocimiento, economía e innovaciones colectivas, y exploran caminos hacia la sostenibilidad social y ambiental a través del aprovechamiento y la redistribución de los recursos. El foco no se pone en objetos acabados, sino en la idea de proyecto como proceso, el resultado más valioso del cual es, en muchos casos, la capacidad de dar lugar al inicio otros procesos.

 

Como referente imprescindible para el diseño abierto en todo el territorio nacional, REHOGAR ha tejido una sólida red de personas, profesionales y comunidades que activan procesos de transformación abiertos y replicables desde nuevos paradigmas económicos, sociales y medioambientales. En la actual edición se recoge el trabajo desarrollado a lo largo de estos años en los  que se han exhibido más de 490 propuestas nacionales e internacionales.

 

Esta muestra, realizada en colaboracion con la Central de Diseño - DIMAD y que tendrá lugar del 6 de junio al 21 de julio en la Central de Diseño de Matadero Madrid, presenta un abanico de propuestas diversas en complejidad y escala de aplicación, pero todas tienen en común que han sido desarrolladas para despertar nuestra sensibilidad e instigar el cambio en nuestras maneras de habitar y relacionarnos. A su manera, cada una abre y afianza caminos hacia una mayor justicia social y ambiental.

Son proyectos reales con la voluntad explícita de aportar soluciones cotidianas, y cuyo valor va más allá de la materialidad y la aplicación de los objetos exhibidos. Más de 40 propuestas de todo el mundo que se alejan de la cultura mercantilista del usar y tirar, y nos acercan a una conciencia colectiva y global basada en la cultura del usar, cuidar y transformar.

 

La mitad de las propuestas han sido seleccionadas a través de una convocatoria abierta que tuvo lugar los meses previos a la inauguración. La colección se completa con una muestra de proyectos invitados por la organización que buscan amplificar el diálogo que la exposición propone.

 

‘REHOGAR: Diseño Abierto y Reutilización’ no es una exposición al uso, es una invitación colectiva a pensar con las manos, a formar parte activa de una serie de procesos de transformación.

 

Paralelamente a la exposición, a lo largo del mes de junio, se celebran una serie de talleres y seminarios en Medialab Prado con el objetivo de difundir y explorar el marco teórico del programa REHOGAR. Así, desde el día 8 hasta el 27 de junio, en Medialab Prado, se sucederán las conferencias y talleres sobre electrónica liberada, impartida por Miquel Ballester, el cofundador de Fairphone, empresa social que está construyendo un movimiento para una electrónica más justa; o el taller de lectura sobre la figura de Victor Papanek, de la mano de la investigadora e historiadora del diseño Raquel Pelta; la conferencia del fundador de Open Source Ecology, Marcin Jakubowski, sobre diseño colaborativo de una economía de la abundancia transparente e inclusiva, y por útlimo la conferencia y el taller impartida por el colectivo Basurama, sobre diseñar zonas de juego con materiales reutilizados, pero respetando la normativa de seguridad. (Texto e imágenes cortesía de REHOGAR)

Jueves, 16 de mayo de 2019

Lisboa vuelve a convocar a profesionales y amantes del arte contemporáneo con la celebración de la 4ª edición de ARCOlisboa que, co organizada por IFEMA y la Câmara Municipal de Lisboa, se celebra del 16 al 19 de mayo en la Cordoaria Nacional para mostrar la vibrante escena artística de Portugal en diálogo con el arte de todo el mundo. ARCOlisboa 2019 acogerá la participación de 71 galerías de 17 países, y como novedad contará con la especial participación de galerías procedentes de África.

 

Como en años anteriores, la Feria se organizará en torno a tres áreas: el Programa General, Opening y Proyectos. El eje principal de la Feria, el Programa General, estará formado por 52 galerías de 16 países, algunas de las cuales participarán por primera vez como Vera Munro y Georg Kargl. A éstas se suman otras que regresan a la feria como Krinzinger, Greengrassi, Pietro Sparta y Vermelho.

 

El programa Opening volverá a centrarse en galerías con una trayectoria de un máximo de siete años con el objetivo de aportar nueva información y dar la oportunidad de descubrir nuevas propuestas galerísticas. Estará formado por 11 galerías seleccionadas por João Laia que incluye algunas de reciente creación como Lehmann + Silva, de Oporto, o Fran Reus, de Palma de Mallorca, así como Jahmek, de Luanda, o The Ryder Projects, de Londres.

 

La sección de Proyectos, que volverá a ocupar Torreão Poente, mostrará 9 proyectos de artistas individuales presentados en la feria por sus galerías. Entre ellos, Daniel García Andújar -Àngels Barcelona-; Gerold Miller, presentado por Cassina Projects, y Nicolás Grospierre por Alarcón Criado-.

 

Una de las novedades más sorprendentes de esta edición será Africa em Foco, con una selección de galerías procedentes de este continente. Tomando como punto de partida la singular posición internacional de Portugal, Africa em Foco incluirá 6 galerías de Angola, Uganda, Mozambique y Sudáfrica con stands individuales intercalados por la feria. Esta sección, comisariada por Paula Nascimento se completará con una serie de conferencias centradas en el arte contemporáneo en África, que formarán parte del programa del Foro.

 

ARCOlisboa 2019 incorpora de nuevo una sección especial dedicada a las publicaciones de arte contemporáneo. Organizada en esta ocasión por Arts Libris, contará con la participación de alrededor de 40 editoriales de arte, e incluirá igualmente un ciclo de conferencias y debates centrados en el estado actual de las publicaciones de arte.

Hablar de arte y coleccionismo será uno de los principales ejes discursivos de esta edición de ARCOlisboa en una serie de presentaciones en las que se darán cita destacados profesionales de más de 20 países.

 

El Torreão Nascente de la Cordoaria acogerá el Millennium Art Talks, realizado con la colaboración de la Fundação Millennium bcp, que comprende un Foro de Coleccionismo que permitirá conocer mejor los motivos y las maneras en que importantes coleccionistas llevan a cabo su apasionante labor. Unas sesiones que contarán con la participación de coleccionistas como Francesca von Habsburg, José Lima o António Cachola, y con Carlos Urroz, Chus Martínez, Pedro Gadanho, Markus Reymann, Miguel von Hafe Pérez y João Laia.

 

Asimismo, se celebrarán una serie de conferencias entorno a Africa em Foco que, coordinadas por Paula Nascimento, estarán centradas en las instituciones de arte contemporáneo de África, con la participación de figuras como Raphael Chickwkwa, Azu Ngagbogu, Jeanne Mercier y Marie Helene Pereira.

 

En esta ocasión, y coordinadas por Filipa Oliveira, el Patio Nascente será escenario de las sesiones Em què estou a trabalhar?, que reunirán a profesionales para compartir sus proyectos actuales y futuros, con especial enfásis en los artistas, como Bruno Leitão, Triologia do Carnaval, Jesper Just, Manon de Boer, Pauline Foessel, Irene Campolmi, Nadine Seigert o Musa Paradisiaca, entre otros.

 

El Patio Nascente acogerá igualmente las sesiones de ArtsLibris, centradas en el estado actual de las publicaciones de arte, que serán dirigidas por Horacio Fernández y contarán con la participación de Antonio Julio Duarte, Susana Lourenço Marques & Mariano Piçarra, Susana Lourenço Marques y Jose Luis Neves & Filipa Valladares.

 

El Encuentro Opening, dirigido por João Laia, reunirá en sesiones de trabajo privadas a profesionales como Pierre Bal-Blanc; Virginija Januškevičiūtė; Agniya Mirgorodskaya; Taaniel Raudsepp; Beatrix Ruf, Ane Rodríguez y Joanna Zielinska. Además, en el marco de la feria se celebrará el Encuentro de Museos, dirigido por Pedro Gadanho y Nicolas Bourriaud, con la asistencia, entre otros, de Quentin Bajac, Rosa Ferré, Sandra Patron,Katarina Pierre, Manuel Segade y Wato Tsereteli.  (Texto e imágenes cortesía de ARCOlisboa)

Martes, 14 de mayo de 2019

El pasado sábado 11 de mayo, el programa internacional de micro residencias ‘1 Artista 1 Día’ presentó la obra de la fotógrafa italiana Carlotta Gambato, artista invitada del evento organizado por LaLatente Espacio Creativo en la 3ª edición de Art Banchel.

 

‘1 Artista 1 Día – Edición Especial Art Banchel’, ha brindado la oportunidad de conocer más de cerca la emotiva obra fotográfica de Carlotta Gambato, que investiga algunas temáticas tan presentes en nuestra sociedad y, a la vez, tan sumamente ocultas, como la ansiedad que nos ahoga, cubriéndonos de una inexplicable vergüenza, tan solo por estar experimentando nuestros miedos y fragilidades, en un mundo hecho de brillos, sonrisas y relucientes apariencias.

 

Es así como Carlotta pretende lanzar un mensaje de superación e infunde en sus obras una energía que vibra y resurge de la oscuridad, anhelando ese apoyo, esa ayuda que buscamos en los demás, pero que tiene necesariamente que encenderse también en nuestros ánimos. «NO SOY YO» es la puerta transparente que nos permite huir del agobio... la salida que todos ven, menos nosotros, pero que la artista va enfocando cada vez más, hasta convertirla en una especie de concienciación orgánica; un alivio, donde la naturaleza se manifiesta como la madre que nos acompaña hasta el punto de silencio que remite, encierra y enciende nuestro verdadero ser. El fin, desde el que podremos volver a hablar con nuestra propia voz.

 

En encuentro abierto al público, Andrea Perissinotto, director de ‘1 Artista 1 Día’, conversó el pasado sábado con Carlotta Gambato sobre las obras de su proyecto NO SOY YO, estrenadas en exclusiva para Art Banchel.

La jornada de puertas abiertas continuó con la presentación de los vídeos de Oscar Shocking, que trazan una perspectiva íntima y personal desde la que el artista transmite sus obsesiones, re-contextualizando los mitos y las leyes religiosas antiguas.

 

En LaLatente Espacio Creativo también se pudieron descubrir las obras de los artistas residentes: Artur Sula, Begoña Cid, Daniel Rodríguez y Maribel Binimelis. Por la tarde, fotografía, pintura, instalaciones y videoarte compartieron escenario con una sesión sonora, a cargo de Acid Zitro y Mad Tommison.

 

Art Banchel es una iniciativa de agentes culturales establecidos en más de 30 estudios en el Distrito de Carabanchel (Madrid), que este año celebra su tercera edición. Los días 10,11 y 12 de mayo de 2019 los espacios se transformaron de nuevo en un gran corredor cultural donde tuvieron lugar decenas de actividades realizadas por otros tantos artistas invitados: performance, teatro, radio, música, instalaciones, charlas, exposiciones o danza, convirtiendo así todos los estudios en un gran escenario expandido por Carabanchel.

 

LaLatente (Avda. Pedro Diez, 21 bis - 1º-7. Madrid) es un espacio independiente de investigación y producción artística, fundado en 2016. Lugar de encuentro y experimentación, su carácter se conforma con la interrelación entre los artistas residentes: Artur Sula, Begoña Cid, Daniel Rodríguez y Maribel Binimelis, que dialogan, trabajan y exponen en el espacio. Abierto a la colaboración con otros agentes culturales, la creación, la difusión y la inspiración, van de la mano para generar un entorno de crecimiento y enriquecimiento mutuo. (Texto e imágenes cortesía de LaLatente Espacio Creativo)

Lunes, 13 de mayo de 2019

Tanto si son Rupias o Dólares los billetes contienen una energía infinita. A través de la historia, las culturas del mundo se han desarrollado alrededor de un sistema monetario que cada vez más encierra a las personas en la búsqueda de riqueza material.

 

                                                                      Alberto Echegaray Guevara

 

Mondo Galeria y el Centro Cultural Europeo presentan por primera vez en la Bienal de Venecia el trabajo del artista argentino Alberto Echegaray Guevara.

 

Invitado por la GAA Foundation, Diego Alonso, director de la galería española, seleccionó los proyectos’ Global Lie’ y ‘Money Talks’ del artista para la exposición ‘Personal Structures’ que se celebra en el Palazzo Mora, Giardini Marinaressa y el Palazzo Bembo durante la 58va edición de la Bienal.

 

‘Global Lie’ es el último proyecto del polifacético Echegaray Guevara. Un Pinocchio metálico de 3 metros de altura que utiliza la figura de la marioneta italiana y la alegoría de la novela de Carlo Collodi para enfocar nuestra atención sobre la corrupción global en la actualidad. La escultura creada en acero inoxidable pulido fue presentada por primera vez en la ciudad de Buenos Aires durante la última Cumbre del G-20 frente al predio donde se reunían los dignatarios de los países participantes.

 

La escultura instalada en el jardín principal del Palazzo Mora abre la exposición ‘Personal Structures’. En la misma se presentan en la primera planta del Palazzo otras tres obras de Alberto Echegaray Guevara que componen su trabajo ‘Money Talks’: ‘One Millon Dollar Sphere’, ‘One Millon Euro Sphere’ y ‘One Million Crypto Sphere’.

 

Las dos primeras obras realizadas en cristal de Murano soplado contienen un millón de dólares y un millón de euros, respectivamente, triturados y apoyan la profecía del artista sobre la desaparición del dinero en papel como hoy lo conocemos.

La tercera, más complicada tecnológicamente, presenta un dispositivo electrónico conteniendo 1.000.000 de dólares americanos en Bitcoins y una

pantalla digital conectada a la frecuencia 4G con la cotización en tiempo real de la criptomoneda.

 

Es muy importante la relación entre cada uno de los trabajos para comprender la importancia de un artista que sobrepasa los límites del arte para comentar sobre la realidad socioeconómica en que vivimos. Un brusco cambio de paradigma en la repartición de riquezas y en la forma que se acumulan e intercambian las mismas.

 

Alberto Echegaray Guevara  (Caracas) es artista y emprendedor. Actualmente vive y trabaja entre Washington DC y en Buenos Aires, Argentina.

 

Como artista emergente trabaja en los campos de instalaciones para sitios específicos, esculturas con materiales superresistentes y tecnología. Particularmente sus trabajos exploran la simbología antigua, los sistemas monetarios y el futuro de plataformas de transacción, creando relaciones integradas entre el dinero, la tecnología y la arquitectura.

Obtuvo un Master en Artes de la Universidad de Georgetown con especialidad en Administración Pública, un Diploma de postgrado en Management de la Escuela de Negocios de Harvard en Boston, así como un título en Relaciones Internacionales de Westpoint y del Colegio Militar de la Nación Argentina. Es un ex oficial de Ejército del Arma de Caballería.

 

Como artista multimedia, diseñador y pensador espacial, Alberto Echegaray Guevara está intrigado por la forma en que la transformación de la materia en la cultura contemporánea requiere un replanteamiento de una nueva estética, la técnica y la percepción dinámica de los sistemas y valores humanos.

 

Cómo han cambiado las tecnologías, nuestra conceptualización de los valores morales y el espacio, y cómo ha abrazado el arte estas conceptualizaciones cambiantes. Estas son las principales preguntas que Alberto se hace, traduciendo la lógica de nuevas tecnologías y de medios de comunicación en el diseño de espacios e instalaciones inmersivas. (Texto e imágenes cortesía de Mondo Galería)

Miércoles, 8 de mayo de 2019

Madrid acoge del 6 al 12 de mayo, por segundo año, Madrid Paper Week, Semana del Dibujo y de la Estampa, una propuesta que surgió con el deseo de acercar una faceta del arte menos conocida y un vasto patrimonio que albergan diferentes colecciones y Museos.

 

Durante estos días de mayo se desarrollarán diferentes propuestas entre las que destacan: Gabinetes Abiertos (6 al 10 de mayo), el Premio Ceán Bermúdez de las Artes (8 de mayo) y todo ello organizado por GABINETE Art Fair (del 9 al 12 de mayo), la mayor feria del sur de Europa en torno al dibujo y la estampa de los últimos cinco siglos, que tendrá lugar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. GABINETE es la única feria en España que se celebra en un museo.

 

Gabinetes Abiertos, festival único en Europa, se celebrará entre el 6 y el 10 de mayo en diferentes museos, que abren las puertas de sus gabinetes para que el público general pueda visitar el amplio patrimonio existente de arte en papel, con piezas en dibujo y estampas de los grandes maestros del arte desde el siglo XV al XXI. Los gabinetes son las zonas de alta seguridad donde los expertos conservan la obra más vulnerable y la que está en recuperación. En muchos casos se pueden ver obras nunca antes mostradas y siempre se trata de espacios nunca abiertos al público.

 

Hay que destacar la incorporación para esta tercera edición de espacios tan genuinos como el Museo Nacional de Ciencias Naturales, el Museo de América, la Imprenta Nacional o el Museo de las Artes Decorativas.

 

Todos los gabinetes de los espacios participantes, en homenaje al bicentenario del Museo del Prado, mostrarán algunas obras relacionadas con la pinacoteca más importante de nuestro país.

Los emblemáticos museos y espacios en los que se desarrolla esta propuesta

son los siguientes:

 

El Museo Nacional del Prado, Biblioteca Nacional de España, Biblioteca Lázaro Galdiano, Calcografía Nacional, Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, Museo de Historia de Madrid, Museo Nacional de Ciencias Naturales, Imprenta Municipal, Museo de América, Museo Nacional de Artes Decorativas, Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, Ivory Press, Colección SOLO e Imprenta Municipal de Madrid.

 

Por su parte, el Gran Premio Ceán Bermúdez de las Artes se entregará dentro de  GABINETE Art Fair, el día 8 de mayo a las 13:00 horas, en el Museo de Bellas Artes de San Fernando, galardonando a diferentes artistas e instituciones que reconocerán toda una carrera destacada en la promoción, divulgación, investigación, crítica, conservación, creación, coleccionismo y comercio del dibujo, de la estampa, el libro ilustrado de bibliófilo y el libro de artista.

 

El jurado estará compuesto por la directora del Museo de Arte Contemporáneo, María Ángeles Salvador, la subdirectora de Archivos y Museos del Ayuntamiento de Madrid, Concepción González Polo, el director de Gabinetes de Dibujos y Estampas del Museo del Prado, José Manuel Matilla, el director de la Biblioteca del Museo Lázaro Galdiano, Juan Antonio Yeves, el director de la Calcografía Nacional, Juan Bordes, el director de Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Fernando de Terán, la conservadora del Museo de Historia, María José Rivas Capelo, la directora de Bellas Artes y Cartografía de la Biblioteca Nacional, Irene Pintado Casas, el director de Madrid Paper Week, Víctor del Campo y el anticuario y el director de Gabinete Art  Fair, Artur Ramón Navarro. (Texto e imágenes cortesía de Madrid Paper Week)

Lunes, 6 de mayo de 2019

C.A.L.L.E.​ (​C​onvocatoria ​A​rtística ​L​ibre de ​L​avapiés ​E​mergente) celebra su ​sexta edición​ en el madrileño barrio de Lavapiés.

 

Del 6 al 12 de mayo se podrá disfrutar del proceso creativo in situ, a la vista de los vecinos y visitantes del barrio, ya que las intervenciones se realizarán en diferentes comercios y calles del barrio y serán site specific.

 

Del 13 al 26 de mayo se podrán admirar las creaciones terminadas. Contaremos con gran variedad de intervenciones en cuanto a técnicas y materiales pintura mural, instalación, escultura, fotografía, dibujo o collage, y en cuanto a sus temáticas y conceptos como sostenibilidad, feminismo o gentrificación, entre otros. Todas las obras tendrán un carácter temporal y efímero.

 

Con esta iniciativa C.A.L.L.E​. contribuye a la creación artística en el barrio de Lavapiés de una manera abierta y participativa, convirtiéndolo en un espacio de arte al aire libre, y animando a todas las personas a disfrutarlo de un modo cercano y cotidiano.

 

C.A.L.L.E. 2019​ ha seleccionado las 50 mejores propuestas artísticas -de entre más de 200 solicitudes presentadas a la convocatoria pública- pensadas ​ex profeso​ para espacios y elementos exteriores ofrecidos por los comerciantes de Lavapiés. Se ha primado la calidad artística de las propuestas y su nexo con el barrio. Como en anteriores ediciones, cuenta con un equilibrio de género entre los participantes.

 

Esta sexta edición contará con los trabajos murales de los colectivos Licuado de Uruguay y Espacio Matrioska de Galicia, las intervenciones sobre cristal de Parsec! y Deliorc, la instalación floral de Alicia Sen o la obra participativa de Marcos Casero, entre otras muchas.

 

Del 13 al 18 de mayo disfrutaremos de la aparición de pequeños personajes creados por el artista invitado de esta edición Isaac Cordal.  Las esculturas de dimensiones reducidas estarán diseminadas por todo el barrio de Lavapiés y

tratarán de sorprendernos y no dejarnos indiferentes.

 

Los personajes forman parte del proyecto llamado #CementEclipses, que Cordal lleva desarrollando varios años en el espacio urbano de diversos lugares del mundo, a través de la instalación de pequeñas esculturas de cemento que nos hacen reflexionar sobre el mundo que hemos creado y en el que vivimos actualmente.

 

Con estas aparentes inofensivas figurillas, Cordal consigue reflejar los efectos colaterales producidos por nuestras propias decisiones, que afectan de manera directa a nuestra evolución como sociedad y el entorno en el que habitamos.

 

Por otra parte, durante la semana del 13 al 19 de mayo el artista madrileño MisterPiro, conocido como como una joven promesa de la pintura mural y de estudio, realizará un gran mural basándose en la superposición de capas de colores para conseguir el efecto etéreo y nebuloso tan característico en su obra.

 

De nuevo, contaremos con actividades abiertas a la participación y disfrute de cualquier persona. Como los talleres impartidos por reconocidos artistas, de Serigrafía con Julio Cubillos, de Documentación de arte urbano y espacio público con Dos Jotas y de Reciclaje artístico con De Tripas Aerosol. Además, realizaremos un mural colaborativo de la mano del colectivo napolitano NSN997, nos iremos  a la caza del arte urbano más escondido del barrio con nuestra particular gymkhana Street Art Hunt y para los más peques crearemos una obra de arte colectiva al aire libre.

 

C.A.L.L.E. es una iniciativa de la Asociación de Comerciantes de Lavapiés que busca impulsar iniciativas de ocio innovador en los barrios de la capital. El colectivo Madrid Street Art Project es el encargado de la dirección artística. (Texto e imágenes cortesía de Madrid Street Art Project)

arte contemporáneo

arte contemporáneo

Inicio         En boga         Noticias         Galerías         digital & nets         Galleries

  • Wix Facebook page
  • Wix Twitter page

arterritory.net

arterritory.net

Soy un párrafo. Haz clic aquí para agregar tu propio texto y edítame. Es muy sencillo.

Página optimizada para GOOGLE CHROME y MOZILLA FIREFOX

2017 © arterritory.net